/ 於 默默

「林鴻文是該時代的藝術家，在專注於壓克力或鋼等材料時，他背後那不合時宜的直覺推動力會越來越強，從而拒絕計算或贊同只能稱得上『合理』的創作方法，他對藝術的態度既不是系統性的，也不是預定性的，他寧願參與形式的挖掘，也不要任何陳腔濫調或可預測的事物，因此其作品具有開放性且無拘限制，而他對形式的忠誠不是正式的，至少在傳統意義上不是。林鴻文不在顯而易見的領域內工作，且不隨波逐流試探國際藝術市場，作為一名獨一無二、不斷深耕的藝術家，他避免從事認為有問題或與其要求不相符的專案。他的靈感來自單一角度，因此他能夠完全專注於自己的創作，成為自己的畫家。」

— 美國藝術史學家、《於 默默》共同策展人 羅伯特．C．摩根

關於 於默默

文／邵雅曼

林鴻文的花園是一處沒有特定中心的自在。他談論樹、談論不同的樹如何生死循環。他的工作室被作品佔據，成為不易活動的空間，而創作中的作品是如此巨大。環境似乎無礙於他的創作。林鴻文的工作室有著鐵的頂棚，陽光由天窗射下，雨點拍打在鐵棚上的聲響撩撥創作靈感，原創的靈性不受制於環境，更顯自由。

「重返根源」 之於當代藝術發展，是當創造意念成為人文的起點。以核心價值為延伸，無數根源應運而生。這些起點奇妙的結合生命的際遇，融入揮灑的瞬間。林鴻文的透徹畫面並無遲疑，一股強大的生命力牽動著意識而流動，渾然天成。

視覺藝術的發展伴隨著一段與意義對應的進程。科技生活以符號做為一種無聲的溝通，形成社會的多重面向，使虛實的界線產生模糊。儘管語言是常用的溝通方式，覺知是真實的面對自己，將想望化為實體的存在。

本展以時間流動的變化來還原作品超越形式的力量。對應永添藝術 ‧ 金馬賓館當代美術館的座向安排，引晨光入室，從東南方向進入空間，形成展場透視的斜牆使光線的變化構成為流動的時間表情。進入午後，時間的路徑由展場後方展現另一種色溫。林鴻文的作品，自然地構成一段起點與終結的貫連。古老騎縫章的智慧，是將分頁的意思連成一體的圓滿，在和諧的整體裡卻潛藏著不安份的創作靈魂，成為一種嶄新生命的詮釋。



林鴻文—感知的光與形式

文／羅伯特．C．摩根

從西方的角度來看，我認為鴻文的作品具有高度的感官認知能力，這揭示與「知覺」有關的觀察過程。透過「知覺」，我發現欣賞他作品的體驗，首先由感官（視覺）寫入，其次是語言，而我甚至得超越語言，與其他死記硬背的訊息，去徹底理解鴻文的藝術態度，我希望能看到鴻文的大型雙聯畫和直立焊接雕塑，是以超越功能為前提而被討論，並進入「感官」領域與「藝術體驗」境地，我們所看到、以及透過觀看所「感受」到的，可能彼此相關，但並不完全相同，而鴻文就曾在紐約、波蘭、東亞及歐洲等展覽多次證明這點。我接下來要引述的作品，主要是他的畫作和雕塑，同時為本次展覽的重點，這並不表示其他媒介的作品不重要，像是錄像帶、印刷品、素描以及其他某些極富創造力的大型多媒體裝置，同樣如此令人驚嘆。

這幾年，我觀察到林鴻文的繪畫和雕塑， 一直暗示「禪」是沒有形式且形而上的。「形而上學」在中國很大程度取決於孔子思想，在西方主要的擁護者是亞里斯多德，兩位哲學家看似相距甚遠，但共享一個觀念—形而上學既存在於我們識別的物理世界之內，也存在於普世之外，可能有人會爭辯鴻文的作品中，若是從稍微不同的視野來欣賞，其堅忍的禪意具有介於「之間」的感覺，但毫無疑問的是，藝術家極致的抽象感，既不存在也存在。當下如何去成就一件藝術品，它就是什麼，由此可見鴻文的創作態度已超越常規式的西方當代藝術範疇，遑論該態度在二十一世紀意味什麼。

隱喻地，藝術家做出感官上的肯定，並闡明其駐留在藝術中的靜止，化作品為空間或時間的無聲坐標。了解這點後，我樂於體驗鴻文的作品，不僅欣賞其材質，還有其結構中的形式，如此一來，我可以避免遵循媒體表達的局外人意見，並與鴻文的作品建立連結，通常那些意見都是不正確的。

透過親身體驗他的作品，減去任何冒昧的學術或商業語言，我了解到他的作品，是一種工具性的力量、一種超越規章的繁盛，以自己的方式，將藝術的作用選擇視為一種再活化的現象、使其偏向類似個人體驗，這直接關係到藝術家的動態智能如何諭知到其作品上，及如何持續不斷地根據歷史來修正假說，透過這樣處理東西方藝術的手法，他發現新的方式，來增強他個人的創作方法。

畫布上允許光線進入的位置在哪裡？無論光線多麼隱蔽地出現在藝術家塗得很薄的深色面紗周圍或下方，總是有這道「觸覺之光」幽微散發，在當前必須禁止人類觸摸藝術品的環境下，這種品質的藝術，毫無疑問可以幫助恢復人們關於「觸摸」的記憶。如同許多重要藝術家，林鴻文就像位才華橫溢的醫者，透過他充滿知識的作品，向我們展示藝術的康復之路，修復我們人類根據狀況重新思考的能力。

我希望藉此機會向藝術家—林鴻文與本次策展人—邵雅曼執行長，致上最深切的謝意，他們對我的鼓勵和友誼持續不減，同時欣賞與信任我身為中國與台灣當代藝術評論家的身份，這份慷慨的精神，使我理解到自己已是偉大中華文化的重要一員。


關於 林鴻文

林鴻文在求學時期的學習及創作過程自發性高，由於傳統教育體制缺乏思辨性與創意的訓練，因此除了美術之外，他同時自學其他學科的知識，這體現在他日後多媒材創作的藝術實踐。林鴻文在創作初期便嶄露頭角，頻頻入選“中華民國現代繪畫新展覽”（台北雙年展前身），但他很快地就搬回出生地台南，與體制、系統及外界干擾保持一段距離，回到能更直接和土地對話的狀態，專注地將生命感受透過藝術語彙轉化成畫布上的一筆一畫，雕塑上的線條與轉折。

他對於創作從來就不安於現狀，在1986年的一次聯展上，他本能地將作品移到戶外進行擺放，對他而言，有限度的白盒子空間不足以承載藝術的能量，也因此，林鴻文特別關注藝術創作與環境的關係，不僅是物理空間，同時也指向我們所處的世界。相對於指涉明確的社會議題和視覺符號的使用，林鴻文感興趣於探尋事物表象背後千絲萬縷的因果關係，他以抽象的筆觸捕捉當下或某時某刻的記憶、情緒、氛圍、溫度等等，用感受誘發觀者去思考，而不是以有限的知識經驗來“閱讀”眼前事物。

對他而言，創作是平衡外部環境與內在自我的能量，某種程度上，當作品畫面越是乾淨，我們所處的社會越是危機重重。與此同時，他也特別強調作品與環境之間的關係，應是在仔細觀察所在環境的慣性後，將其帶入自己的身體，再揉入創作之中，而不是單純的處理畫面造型與構圖的問題而已。